Das Haus ohne Netz – Eine interaktive Medienkunstinstallation zur Reflexion digitaler Gegenwart 
Wie fühlte es sich an, online zu gehen, bevor das Internet uns überallhin begleitete? „Das Haus ohne Netz“ macht die Netzkultur der späten 1990er- und frühen 2000er-Jahre als begehbare Medienkunstinstallation erfahrbar. Das Herzstück der Ausstellung ist das frühe Web selbst: An mehreren Computerstationen erkundet das Publikum eine kuratierte Auswahl historischer Webseiten aus dem Internet Archive, darunter persönliche Homepages, Foren, Chats, Suchmaschinen, Portale und Fanseiten. Wo historische Angebote nicht vollständig erhalten sind, entstehen neue Webseiten, die Gestaltung, Navigation, Sprache und technische Begrenzungen der Zeit künstlerisch aufgreifen. 
Die Computer stehen in inszenierten Wohnräumen. Das Interior ist dabei kein nostalgischer Selbstzweck, sondern macht sichtbar, wo und unter welchen Bedingungen Menschen damals online gingen. Ein Internetzugang war an einen konkreten Ort gebunden, Verbindungen brauchten Zeit und ein Computer wurde häufig von mehreren Familienmitgliedern geteilt. Jeder Raum eröffnet deshalb einen anderen Zugang zum Netz: von Nachrichten, Suchmaschinen und beruflicher Recherche über Spiele und Fanseiten bis zu Chats, persönlichen Homepages und digitaler Selbstdarstellung. 
Zu Beginn ihres Besuchs geben Besucher:innen ihr Smartphone für eine begrenzte Zeit ab. An die Stelle des persönlichen, permanent verfügbaren Geräts tritt ein langsamer und ortsgebundener Zugang. Webseiten laden nicht sofort, Links führen auf unerwartete Seiten und Navigation verlangt aktive Entscheidungen. In den entstehenden Zwischenräumen wird gewartet, gelesen, Radio gehört, beobachtet und miteinander gesprochen. 
„Das Haus ohne Netz“ bringt zwei digitale Erfahrungswelten zusammen: das frühe, fragmentarische und noch wenig standardisierte Internet und eine Gegenwart, die durch Smartphones, Plattformen, personalisierte Inhalte und dauerhafte Erreichbarkeit geprägt ist. Die Ausstellung fragt, wie sich Aufmerksamkeit, soziale Nähe, Zugänglichkeit und Selbstdarstellung verändert haben. Was haben wir durch die permanente Vernetzung gewonnen und was ist verloren gegangen? Der Rückblick macht zugleich sichtbar, wie stark Plattformen, Gestaltung und Geschäftsmodelle unsere heutige Interneterfahrung bestimmen. 
Die Installation richtet sich an frühe Internetnutzer:innen ebenso wie an jüngere Generationen, die eine Welt ohne Smartphone kaum kennen. Führungen, Workshops und moderierte Gespräche für Schulen, Bildungseinrichtungen und ein interessiertes Publikum vertiefen die Themen Medienkompetenz, Erinnerungskultur und digitale Öffentlichkeit. Persönliche Erinnerungen und unterschiedliche Generationserfahrungen werden dabei Teil der Vermittlung. 
„Das Haus ohne Netz“ ist ein Projekt der grotesk.group. Die einmonatige Ausstellung ist in Düsseldorf geplant; Ort und Termine werden noch bekannt gegeben. 

grotesk.group ist ein Düsseldorfer Kunstkollektiv, Research Lab und Produktionsstudio an der Schnittstelle von Kunst, Technologie und Gesellschaft. In Ausstellungen, interaktiven Installationen, audiovisuellen Arbeiten, Forschungsformaten und Workshops untersucht das Kollektiv, wie digitale Technologien, künstliche Intelligenz und datenbasierte Systeme Wahrnehmung, Identität und gesellschaftliche Gegenwart prägen. 

Historie & Bedeutung der VIDEONALE
40 Jahre Videonale: Vom Pionierformat zum Seismografen für eine bewegte Gesellschaft.
Als die Videonale im Jahr 1984 in Bonn gegründet wurde, steckte die Videokunst noch in ihren Anfängen. Heute hat sich das Medium grundlegend gewandelt und ist längst in den interdisziplinären Kanon der zeitgenössischen Kunst eingegangen. In einer von flüchtigen digitalen Bewegtbildern übersättigten Welt bietet das Festival einen notwendigen physischen Resonanzraum für eine konzentrierte und analytische Auseinandersetzung mit der Gegenwart durch das Medium Video.

NRW und das Rheinland, das in den 80er Jahren mit Protagonist:innen wie u.a. Nam June Paik, Marcel Odenbach, Ulrike Rosenbach, Klaus vom Bruch als Experimentierfeld für Videokunst bekannt wurde, bieten mit zahlreichen Ausstellungsorten, Festivals, Produktionsstätten und Sammlungen, die diese Kunstform in den Blick nehmen sowie der Kunsthochschule für Medien als einzigartige Ausbildungsstätte in diesem Bereich, auch heute noch ideale Bedingungen für ein Festival wie die Videonale. Nirgendwo sonst gab und gibt es so vielfältige Möglichkeiten, diese Kunstformen zu sehen, zu lernen und in Resonanz mit anderen Künsten und kulturellen Feldern zu bringen.

Das Förderprogramm Allgemeine Projektförderung Medienkunst unterstützt Projekte und Ausstellungsvorhaben im Kontext der Medienkunst, die künstlerische Positionen der Medienkunst erforschen, präsentieren, thematisieren und zielgruppenspezifisch vermitteln möchten. Ein wichtiges Ziel ist die Erforschung, der Erhalt und die Präsentation des Medienkunstbestandes in Nordrhein-Westfalen.

Künstliche Intelligenz (KI) gilt als zentrale Zukunftstechnologie, die gesellschaftliche, ökonomische und politische Prozesse tiefgreifend transformiert. Gleichzeitig zeigt sich, dass  KI-Systeme bestehende globale Ungleichheiten nicht nur widerspiegeln, sondern aktiv reproduzieren. Diskriminierende Algorithmen, ausbeuterische Datenökonomien und ein asymmetrischer Zugang zu technologischer Infrastruktur erscheinen als strukturelle Kontinuitäten, die an koloniale Ausbeutungsverhältnisse anknüpfen.
Das Forschungsprojekt „Imitation Machines“ sieht diese Zusammenhänge als gegeben an und geht einen Schritt weiter. Die These lautet, dass KI jene Ungleichheitsverhältnisse nicht nur reproduziert und perpetuiert, sondern dass die Genese von Künstlicher Intelligenz unmittelbar auf historischen Ausbeutungsverhältnissen basiert und durch diese informiert ist.

Den Ausgangspunkt der Forschung bildet ein Videokunst-Projekt über KI-gestützte Automatisierung der Suizidprävention in Gefängnissen, das seit 2024 in Arbeit ist. Der Film dokumentiert die Entwicklung einer KI, die suizidale Handlungen von Haftgefangenen in nordrhein-westfälischen JVAs detektieren soll, um einen Alarm auszulösen. Dazu haben die Software-Entwickler:innen in ihrem Büro eine Gefängniszelle nachgebaut und Menschen engagiert, die suizidales und nicht suizidales Verhalten in der Zelle nachspielen, während das KI-System über Überwachungskameras zusieht und „lernt“.

Im Vergleich zur freien Bevölkerung ist die Suizidrate in Gefängnissen zehnmal höher. Gefangenensuizide werden in der Regel von der Gefängnisleitung als solche erklärt und nicht weiter unabhängig untersucht. Gefangenen-Suizide werden auf der Management-Ebene der Institution als Versicherungsfälle betrachtet. Automatisierte Suizidprävention könnte helfen, die Versicherungsraten zu drücken. Sie kann eine Rechtfertigung schaffen, therapeutische Stellen in Gefängnissen abzubauen, und damit Kosten zu sparen. Automatisierte Suizidprävention in Gefängnissen adressiert ein Symptom, nicht die Ursachen. Indem sie Suizidraten auf dem Papier senkt, kann sie dazu dienen, Argumente für einen humaneren Strafvollzug politisch zu schwächen. Ein weiteres Ziel ist die Erhaltung von Arbeitskraft, denn Gefängnisse sind in Deutschland Orte der industriellen Produktion.

Die Forschung im Rahmen des Fellowships knüpft an diesem Phänomen der Gegenwart an und erforscht die historischen Bedingungen solcher KI Systeme: zum einen die gemeinsame Geschichte von Fabrik und Gefängnis im protestantischen Europa des 17. Jahrhunderts, zum anderen der Einsatz früher Technologien für Suizidprävention auf Schiffen des transatlantischen Sklav:innenhandels des 18. Jahrhunderts.

Das Medienkunst-Fellowship NRW erscheintals idealer Rahmen, diesen Themenkomplex umfassend zu erforschen. Über die Zeit des Fellowships planen wir zudem ein Programm von Workshops und Panel-Dikussionen mit Vertreter.innen aus postkolonialer Theorie, kritischer Suizidologie und AI-Studies.

Das Ziel der Forschung und der künstlerischen Arbeit wird dabei nicht nur die kritische Analyse der Verhältnisse sein. Vielmehr fragt Imitation Machines auch nach Strategien der Widerständigkeit, der Dekolonisierung, der Abolition. Dazu entsteht mit Klient:innen und Freund:innen des Integrationshauses eine filmische Arbeit über Polizeirepression und strukturellen Rassismus.

Alex Bartsch (geb. 1984 in Hildesheim) ist ein in Leipzig lebender Filmemacher und Medienkünstler. Er studierte Politikwissenschaft, Architektur und Kunstgeschichte in Bonn,  anschließend Medienkunst an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig bei Peggy Buth sowie in der Klasse „Expanded Cinema“ bei Clemens von Wedemeyer und Mareike Bernien. Währenddessen arbeitete er als Altenpfleger, persönlicher Assistent, im Online-Marketing, im Medienmonitoring, als wissenschaftlicher Mitarbeiter sowie als Produzent von Tagungsfilmen für Universitäten und Institutionen. Er war als Autor und Regisseur  für Dokumentarfilme im deutschen öffentlich-rechtlichen Fernsehen  (Arte, 3Sat, ARD) sowie in der Jugendfilmbildung tätig. Seit 2022 liegt sein Schwerpunkt auf künstlerischem Dokumentar- und Essayfilm.

Das Format Juli Lab (DE) ist aus der Idee entstanden, den Katalog des auf Medien-kunstproduktion spezialisierten Künstler-kollektivs Juli Film einer Öffentlichkeit zu-gänglich zu machen. Jeweils im Sommer und im Winter findet halbjährlich eine Ausstellung mit zeitgenössischen künst-lerischen Positionen zur Film- und Medien-kunst statt. Dabei wird ein Fokus auf neue experimentelle Formen von inter-nationalen Künstler:innen gesetzt, die in Deutschland noch keine größere institu-tionelle Ausstellung vorweisen können. Wir glauben an eine einzigartige Stellung mit Juli Lab in der Kulturlandschaft NRWs und Deutschland mit jeweils einem Stand-ort in Münster (Westf) und Berlin. Als Studio mit 65qm Ausstellungsfläche, die abgedunkelt werden kann, können wir eine ausgewählte Anzahl an Projekt-ionen als auch installative Arbeiten prä-sentieren. Für ein lokales und überregio-nales Publikum gedacht, wird die Aus-stellung jeweils am Wochenende Sams-tags und Sonntags parallel zu den Öffnungs-zeiten der Kunsthalle Münster, die sich im gleichen Gebäude befindet, frei zugäng-lich sein. Außerhalb der Ausstellungs-zeiten bleibt Juli Labor ein Produktions-ort für zeitbasierte Kunst. Mehr Infos findet ihr hier.

Three More Years baut neon-narrative Welten jenseits medialer Grenzen. Sie erzählen Zukünfte in Videospielen, im Web, in Ausstellungen und theatralen Anlagen. Ihre Arbeiten wurden für internationale und nationale Festivals nominiert und ausgezeichnet.

Mehr Infos zu Three More Years findet ihr hier.

Das FFT Düsseldorf (Forum Freies Theater) gibt es seit 1999; seit 2004 unter der künstlerischen Leitung von Kathrin Tiedemann. Es ist ein internationales Produktionshaus für freie darstellende Künste und agiert in einem Netzwerk aus Produktionsstätten, Theatern und weiteren Partnern sowohl regional als auch international. Die künstlerische Arbeit mit Jugendlichen und ein avanciertes Programm für junges Publikum gehören von Anfang an zum Profil des FFT Düsseldorf.

Mehr Infos zum FFT Düsseldorf findet ihr hier.

Die Kurator:innen (DIAS-Kollektiv)
 
Isabelle Hamm, M.A. (sie/ihr) ist wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Medienkultur und Theater der Universität zu Köln. Ihre Schwerpunkte in Forschung und Lehre umfassen Museologie, digitale Kunstvermittlung, virtuelle Ausstellungen, Schnittstellen von Computerspielen und Kunst sowie die Vermittlung und Ausstellbarkeit von Computer-spielen und digitaler Kunst. Derzeit konzipiert sie ihr Promotionsprojekt mit dem Titel Kunstpräsentationen im digitalen Raum: Zur medialen Transformation virtueller Ausstellungen. Sie ist Mitherausgeberin des Sammelbandes Gaming the Metaverse (transcript, i. E.) und Mitorganisatorin der Tagung Spiel | Museum: Ein Brückenschlag (2023). Als Co-Projektleitung konzipierte und realisierte sie die Apps Kunst-freunde im Wallraf für das Wallraf-Richartz-Museum und Warhol & Freunde für das Museum Ludwig in Köln. 2018 kuratierte sie die Ausstellung Eine Intervention in Zusammenarbeit mit der Initiativejungekunstfreunde, der Artothek Köln und der Universität zu Köln. Seit 2019 setzt sie sich als Mitglied des Jungen Think Tanks im Dachverband der Kulturfördervereine Berlin für Zugänge, Programme und Mitsprache junger Erwachsener in Museen ein. Weitere Publikationen und Informationen: https://mekuwi.phil-fak.uni-koeln.de/personen/wissenschaftliche-mitarbeiter-innen/isabelle-hamm-ma.

Prof. Dr. Sebastian Möring (er/ihm) ist Professor für Game Design an der Hochschule Macromedia | Campus Berlin. Seine Forschungsschwerpunkte sind Philosophie und Ästhetik von Computerspielen, In-Game-Fotografie, Green Game Studies, Computerspiele im Bildungskontext, Games und Literatur sowie Spielearchivierung. Seit 2014 beschäftigt er sich mit dem Thema Fotografie im Computerspiel und bietet seit 2016 regelmäßig Seminare und internationale Workshops (u.a. in Potsdam, Berlin, Luzern, Mailand) zum Thema an. 2020 wurde die von ihm kuratierte DIGAREC In-Game Photo Gallery in Mozilla Hubs eröffnet. Im Jahr 2021 erhielt er den Lehrpreis des Landes Brandenburg für ein Seminar, in welchem er mit Studierenden virtuelle Ausstellungen entwickelte. Er ist Mitherausgeber des Sammelbandes Screen Images. In-Game Photography, Screenshot, Screencast(Kadmos, 2023) und Co-Autor des Kapitels Camera Ludica: Reflections on Photography in Video Games (in Intermedia Games–Games Inter Media: Video Games and Intermediality, Bloomsbury Academic, 2019). Weitere Publikationen und Informationen: http://sebastianmoering.com.

Dr. Thomas Spies (er/ihm; he/they)  hat zu Traumarepräsentation in Computerspielen an der Universität Köln promoviert und lehrt Medienwissenschaften an der Universität Köln sowie Game Design an der Hochschule Macromedia | Campus Köln. Er setzt sich kritisch mit Videospielen und anderen Medien auseinander und forscht zu Herrschafts- und Machtdynamiken auf systemischer Ebene. Mit virtueller Fotografie beschäftigt er sich sowohl theoretisch als auch praktisch: Die Studie Behind the Lens: Defining Virtual Photography through Community Interviews (zusammen mit Alex Urban, 2024, im Review-Prozess) findet auf Grundlage ausgewerteter Gespräche mit virtuellen Fotograf:innen zu einer soziokulturellen Definition virtueller Fotografie; Anfang 2025 erscheinen einige seiner virtuellen Fotografien im Fotoband The Photographer’s Guide to Los Santos, herausgegeben von Matteo Bittanti und Marco de Mutiis. Er ist Mitherausgeber des Sammelbands Spiel*Kritik: Kritische Perspektiven auf Videospiele im Kapitalismus(transcript, 2024, zusammen mit Şeyda Kurt und Holger Pötzsch), Organisator der Veranstaltungsreihe Let’s Play Critical, bei der Expert:innen themenbezogen Videospiele vor Publikum begehen, Mitglied der medienkünstlerischen Formierung K.O.Z. und Associate des pseudo-marxistischen Media-Guerilla-Kollektivs Total Refusal aus Wien. Weitere Publikationen und Informationen: https://thomspies.net/.