Filmprogramm MedienKunstTage NRW 2025
Wär nicht das Auge sonnenhaft, die Sonne könnt es nie erblicken
Filmprogramm More Future! MedienKunstTage NRW 2025
If the eye were not sunlike, the sun‘s light it would not see //
Wär nicht das Auge sonnenhaft, die Sonne könnt es nie erblicken
– Kuratiert von Vanina Saracino
Filmprogramm am 24.10.2025
Der erste Teil des Filmprogramms wirft einen konzentrierten Blick darauf, wie Technologie unsere Gegenwart und unsere Zukunft gestaltet und formt. Die Kunstwerke bewegen sich an der Schnittstelle von Logik und Mystik, globalen Netzwerkinfrastrukturen und lokalen kollektiven Struggles sowie spekulativen Ökonomien und imaginierten Zukünften. Sie reflektieren darüber, wie wir hoffen, fürchten und Unsicherheiten am Rande rasch expandierender technologischer Möglichkeiten bewältigen.
1. Kameelah Janan Rasheed, Keeping Count, Annotated, 9’38’’, 2021–23
Keeping Count (2021–23) zeigt eine Partitur von Th&o neben ihrer Animation und Ausschnitten aus Lehrfilmen, um das Verlangen nach Gewissheit, Lesbarkeit und einer „richtigen Antwort“ zu erforschen. Dieses Video vermischt spirituelle Elemente mit mathematischen und wissenschaftlichen Aspekten und verwendet digitale Artefakte, Rauschen, Pixelierung und stotternde Animationen, um uns an Instabilität zu erinnern – die Instabilität von Bedeutung und epistemologischen Hierarchien. Messungen, Annäherungen und ihre Zeichen und Symbole werden in Beziehung zu Fragen der Black liberation gesetzt. In der Neukombination von Phrasen und den Sprüngen zwischen den Zeilen drückt dieses Video aus, dass komplexe Leben nicht auf feste Formeln reduziert werden können. Die Künstlerin beschäftigt sich mit Fragen der Lösung von x als einer Übung nicht der Präzision, sondern der absichtlichen Annäherung und Fehlkalkulation.
2. Elisabeth Brun, Big tech Blues, 20’, 2025
Big Tech Blues ist ein poetischer Filmessay, der über das Leben und die Widerstandsfähigkeit ländlicher Gemeinden im Zeitalter der Big Tech reflektiert. Die verlassene Schule aus der Kindheit der Filmemacherin in dem kleinen Dorf Strengelvåg in Nordnorwegen wurde eines Tages von Elon Musks SpaceX Starlink-Programm aufgekauft – ein Ereignis, das Überlegungen darüber anregte, was auf dem Spiel steht, wenn die sich rasant entwickelnde digitale Technologie alle Aspekte des menschlichen Lebens durchdringt.
Der Film verknüpft persönliche Erzählungen über das Eindringen von SpaceX in die Heimatstadt der Filmemacherin mit existenziellen Überlegungen zu Verbundenheit, Freiheit, Nostalgie und Fortschritt. Er reflektiert Dilemmata in Bezug auf Ort, digitale Technologie und körperliche Erfahrung. Im Mittelpunkt dieser Erkundung steht die Erfahrung von Klang: das Summen der digitalen Technologie, das Lachen von Kindern und die Geräusche von Wetter und Natur. Der Film fragt: Wie klingt ein lebendiger Ort?
Durch die Verschmelzung persönlicher Anekdoten mit weitergehenden Reflexionen bietet der Film einen Insider-Blick auf das subtile Vordringen der digitalen Industrie in ländliche Gebiete in Nordnorwegen und darüber hinaus. Er meditiert über die komplexen Beziehungen, die Menschen zu ihrer Umgebung haben – und hebt dabei den Doppelzwang der digitalen Technologie und die Bedeutung verkörperter Erfahrungen für Erinnerung und Verbundenheit hervor.
3. Gala Hernández López, for here am i sitting in a tin can far above the world, 19’06’’, 2024
for here am i sitting in a tin can far above the world ist ein experimenteller Doppelbildschirmfilm, der sich mit den Verbindungen zwischen Kryptokultur und Kryotechnik als zwei spekulativen Technologien befasst, für die die Zukunft zu einer wirtschaftlichen Ressource wird, die es zu nutzen gilt. Anhand einer Collage aus YouTube-Videos, Archivbildern und 3D-Animationen untersucht „for here am i sitting in a tin can far above the world“ die Verbindungen zwischen Finanzspekulation, spekulativer Science-Fiction und der Vorhersage und Steuerung der Zukunft. Die Erzählung untersucht die Fantasien, die Kryptowährungen vermitteln, und wird von dem einhüllenden Text einer unsichtbaren Erzählerin getragen, die ihre intimen Träume und Ängste schildert. Sie begleitet uns auf einer traumhaften, poetischen, historischen und futuristischen audiovisuellen Reise und beschwört die Figur des amerikanischen Extropianers und Cypherpunks Hal Finney herauf, einer Schlüsselfigur in der Geschichte des Bitcoin, der seit 2014 jedoch auch ein Kryonik-Patient ist. In den Träumen der Erzählerin integriert Finney nach einer zukünftigen Weltwirtschaftskrise einen Teil der Gesellschaft, der sich in einen Scheintod oder subventionierten Biostasezustand begeben hat, um die wirtschaftliche Erholung zu beschleunigen. Die Erzählerin führt mit Finney ein imaginäres Gespräch über den Glauben oder die Angst vor der Zukunft und darüber, wie eine optimistische Wette auf die Zukunft durch die politische Abkehr von den gegenwärtigen Kämpfen tatsächlich deren Potenziale gefährden könnte.
Der Film untersucht auch das Gefühl des vorübergehenden Schwebens: Durch die Figur der „Scheintod“ erinnert er an eine historische Epoche, die aufgrund der Beschleunigung und Disruption neuer Technologien sowie der vielfältigen Folgen des Anthropozäns von einem hohen Maß an Unvorhersehbarkeit und Unsicherheit geprägt ist. Die Idee der vorübergehenden Aussetzung wird durch die Dichotomie „Aussetzung – freier Fall“ hinterfragt: Schwebt die Menschheit in Unsicherheit oder befinden wir uns eher im freien Fall? Wie können wir angesichts der Grenzen der menschlichen Wahrnehmung und des menschlichen Wissens zwischen beiden unterscheiden? „For here am I sitting in a tin can far above the world“ arbeitet mit der nichtlinearen Zeitlichkeit von Traum und Erinnerung, der gebrochenen Zeitlichkeit von Zeitreise-Erzählungen, wie beispielsweise derjenigen, in der Hal Finney sich in seine Kryokapsel begibt.
4. Daniel Felstead and Jenn Leung, Literally No Place, 18’36’’, 2023
Hallo, ihr Lieben, hier ist die Endgegnerin des Vocal Fry. Daniel Felsteads glamouröser Julia-Fox-Avatar ist zurück. Letztes Mal hat sie sich mit Zuckerbergs Metaverse angelegt. Jetzt nimmt sie uns mit auf eine Reise in den Cyberkrieg zwischen AI-Utopisten und AI-Pessimisten und untersucht die Risiken, Ängste und Hoffnungen aller Seiten. Wird die KI die von Marx vorgestellte Post-Knappheitsgesellschaft hervorbringen, in der wir alle in arbeitsfreiem Luxus leben können, oder wird sie die Menschheit buchstäblich auslöschen?
Wir alle wissen, dass Julia Fox keine manichäische, binäre Frau ist. Während sie sich durch die Dichotomie von KI-Apokalypse und KI-Utopie bewegt, zeigt sie uns eine unheimliche Reihe möglicher Zukunftsszenarien und taucht dabei tief in die Prognosen sowohl von KI-Simps als auch von manischen Tech-Overlords wie Sam Altman, CEO von OpenAI, und Sundar Pichai, CEO von Google, ein. Sehen Sie sich dieses Video an, bevor Sie sich für eine Seite entscheiden.
Im Anschluss an das Screening der Filme folgt ein Künstlerinnengespräch mit Elisabeth Brun & Vanina Saracino (Kuratorin Filmprogramm)
Filmprogramm am 24.10.2025:
Goethe schrieb: “Wär nicht das Auge sonnenhaft, die Sonne könnt es nie erblicken” – eine Metapher für die Relationalität der Wahrnehmung, mit der Sonne im Zentrum. Die Werke des zweiten Teils des Filmprogramms erforschen Sonnenenergie als generative, relationale und informationelle Kraft und reflektieren darüber, wie Leben, Erinnerung, Ökosysteme, Technologien und Körper durch Sonnenrhythmen verflochten und durch Exposition, Transformation und Verfall geformt werden.
Folgende Filme sind zu sehen:
1. Shuang Li, ÆTHER (Poor Objects), 18’28’’, 2021
ÆTHER verbindet die Bildsprache des Ringlichts, einer Beleuchtungsvorrichtung, die häufig von Vloggern, Cam-Models und einer wachsenden Gruppe von Menschen verwendet wird, die mittlerweile von zu Hause aus arbeiten und auf Bildschirmen leben, mit der einer ringförmigen Sonnenfinsternis und setzt damit die Reflexion des Künstlers über persönliche Subjektivität und deren Verflechtung mit einer zunehmend immersiven und allgegenwärtigen Online-Kultur fort.
Das Konzept des „Leakage” (Auslaufen) reflektiert die umgekehrte Beziehung zwischen dem Körper und seiner Darstellung auf dem Bildschirm und zieht sich als grundlegendes Thema durch die visuellen Arbeiten und das Drehbuch des Künstlers, als eine Erkundung der unvollkommenen Übertragung zwischen virtuellen pixeligen Objekten und Hintergründen in das physische Leben.
Die Sphäre des Ringlichts und der Sonnenfinsternis wird zu einer Öffnung, die die Kamera durchdringt, während sich überlagernde Sprachen der Evolution und Schwangerschaft die räumlich-zeitliche Loslösung unserer sozialen und technologischen Bedingungen betrachten. Durch die Darstellung eines Cam-Models und eines Mukbang-Vloggers zielt das Werk darauf ab, eine Umkehrung der Entmaterialisierung und Digitalisierung physischer Körper unter unseren derzeitigen mediatisierten Umständen zu fördern.
2. Ani Schulze, Flint House Lizard, 15:49 min.,2019
Der Körper und die Körperlichkeit stehen im Mittelpunkt von Flint House Lizard, das sich zwischen Fabel, Fiktion, Realität und Spekulation bewegt. Durch hypnotische Sequenzen wechselnder Texturen, Stimmungen, Figuren, Landschaften und unverwechselbarer Klanglandschaften entfaltet der Film nichtlineare Fragmente einer skurrilen und beunruhigenden Geschichte. Es entsteht eine Stimmung oder ein Geisteszustand, der zwischen Schlaf und Wachheit schwebt.
Flint House Lizard navigiert durch vier verschiedene Zyklen, die sich an der Sonne orientieren. Der Film beginnt in der Dunkelheit und geht von einem einzigen Körper oder einer einzigen Figur aus. Obwohl seine Protagonisten die potenzielle Energie der Sonne zu verfeinern und zu nutzen scheinen, drängt sich die Vermutung auf, dass die Sonne ihre eigenen Absichten hat.
Der Film stützt sich auf die Ideen des sowjetischen Biophysikers Alexander Chizhevsky (1897–1964). Sein Ansatz verband Sonnenflecken, Sonneneruptionen und den elfjährigen Sonnenzyklus mit politischen und sozialen Entwicklungen wie populistischen Massenbewegungen. Inspiriert von seinen Schriften zeigt der Film, wie zeitgenössische soziale Muster von Massenbildern, Informationsstrukturen und aktuellen Formen des Populismus den individuellen Körper simulieren und bestimmen und die Bewegungen von Gruppen beeinflussen.
Die dicht geschichtete Erzählung von Flint House Lizard offenbart Muster einer Erzählweise, die von Spekulationen und Glaubensbildung beeinflusst ist. Verführerische, haptische Detailaufnahmen entwickeln sich zu einer verstörenden, düsteren Bildsequenz und einer kurzen Choreografie computergenerierter Bilder. . Diese Animation, die teilweise mit einer Massensimulationssoftware erstellt wurde, reflektiert die auffällige Leichtigkeit, mit der sich Bewegungen von Menschenmengen mit Algorithmen simulieren lassen.
3. Jana Kerima Stolzer and Lex Rütten, Ponor, 23’29’’, 2025
Was bedeutet es, einen Fluss als einen Organismus zu betrachten, der aus vielen einzelnen Teilen besteht? Lex Rütten und Jana Kerima Stolzer greifen mit dieser Frage die sogenannte „Gaia-Hypothese“ auf, die auf dem wissenschaftlichen Konzept basiert, dass die Erde als ein sich selbst regulierendes System betrachtet werden kann, in dem Lebewesen und ihre physische Umgebung interagieren, um lebensfördernde Bedingungen zu schaffen.
Hypothese“ auf, die auf dem wissenschaftlichen Konzept basiert, dass die Erde als selbstregulierendes System betrachtet werden kann, in dem Lebewesen und ihre physische Umgebung interagieren, um lebensfördernde Bedingungen zu schaffen.
In der Videoarbeit „Ponor“ erkunden sie die unterirdischen Wege eines Flusses vom Hochland bis zu den Quellen.
Wie durch eine Doline im Karstgestein ermöglicht die Videoarbeit, dem Wasser durch komplexe Höhlensysteme zu folgen und winzigen Organismen wie dem Höhlenkäfer zu begegnen. Mit einer ihnen gegebenen Stimme treten die nicht-menschlichen Nachbarn aus Flora und Fauna in den Mittelpunkt und erzählen die Geschichte ihres Lebens, ihres Überlebens und ihrer Anpassung.
Auf einzigartige Weise und in einer Mischung aus Fakten und Fiktion erzählen die Künstler die Geschichte eines Flusses, der seinen Ursprung in der Karstlandschaft hat, bevor er in Hunderten von Quellen entspringt. Die unterschiedlichen Erzählungen der Protagonisten veranschaulichen die Verbindung und das Rückkopplungssystem zwischen allen (lebenden) Wesen auf der Erde und offenbaren gleichzeitig die unterschiedlichen Zeitlichkeiten, in denen sie sich begegnen.
Im Anschluss an das Screening der Filme folgt ein Künstlerinnengespräch mit Ani Schulze, Jana Kerima Stolzer, Lex Rütten & Vanina Saracino (Kuratorin Filmprogramm)
Biographien der Filmmacher*innen & Künstler*innen
Kameelah Janan Rasheed ist eine Lernende. Ihr zweiter Vorname, Janan, stammt aus dem arabischen Wortstamm (J-N-N / جنان) und steht für das Ungebundene, Verschleierte und Nicht-Sanktionierte. Dementsprechend untersucht Rasheed die Beziehung zwischen Sprache, Mystik und Ungehorsam. Sie untersucht die Materialität eigensinniger Sprache – akrobatische (Clarice Lispector) Sätze mit Falltüren (Fred Moten), entlaufene Silben, die sich an den Rand einer Seite verstreuen, Wörter, die sich aus dem Orbit ihres Muttersatzes lösen, Fußnoten, die ihre Referenz verschlingen, und Äußerungen, die sich auflösen, bevor sie aufgezeichnet werden können. Sie untersucht auch die Materialität des Lesens und konzentriert sich dabei auf spirituelle Praktiken, bei denen Lesen durch Berührung und Verdauung stattfindet und nicht nur durch Betrachten. Als „Sprachmensch“ (Paul Soulellis) „gibt sie der Sprache einen Körper“ (Chang Yuchen) durch ihre großformatigen Installationen, Mehrkanal-Videoarbeiten, Publikationen, Software, Performances, öffentlichen Archive und Lernplattformen.
Ihre Arbeit in den Bereichen Kunst, Pädagogik und neue Technologien wurde mit zahlreichen Auszeichnungen gewürdigt. Im Jahr 2024 war sie Finalistin bei Artes Mundi 11 und erhielt ein Stipendium der High Desert Test Sites in Joshua Tree. Weitere Stipendien und Auszeichnungen erhielt sie von Working Artist (2023), der der Schering Stiftung (2022 Award for Artistic Research), dem Creative Capital Award (2022), einem Artists + Machine Intelligence Grant – Experiments with Google (2022) und einem Guggenheim-Stipendium für Bildende Kunst (2021). Ihre Arbeiten wurden weltweit präsentiert, unter anderem in Nordamerika, Südamerika, Afrika, Asien und Europa. Zu ihren jüngsten und bevorstehenden Einzelausstellungen gehören die Henry Art Gallery (2025), REDCAT (2024), KW Institute of Contemporary Art (2023), Art Institute of Chicago (2023) und Kunstverein Hannover (2022). Sie hat an Gruppenausstellungen im Studio Museum, Bronx Museum, New Museum, Brooklyn Museum, MASSMoCA, The Kitchen und ICA Philadelphia teilgenommen.
Elisabeth Brun ist bildende Künstlerin, Filmemacherin und Theoretikerin, die sich mit Fragen der Form, der Vermittlung, des Wissens und der Beziehung zwischen Mensch und Umwelt beschäftigt. Ihre Arbeiten nehmen verschiedene Formen an, darunter Filme, Installationen, 3D-Arbeiten und Texte, und stehen im Dialog zwischen Philosophie, Umweltwissenschaften und bildender Kunst. Brun interessiert sich besonders dafür, wie Medientechnologie die Wahrnehmung von Ort, Raum und Zeit beeinflusst, wobei sie oft auf ihre subarktische/nordnorwegische Herkunft zurückgreift.
Bruns Arbeiten wurden international auf Festivals und an Veranstaltungsorten wie dem Internationalen Kurzfilmfestival Oberhausen (DE), dem Seattle Art Museum (US), dem Festival du Nouveaux Cinéma in Montreal (CA) und dem Lofoten International Art Festival LIAF (NO) gezeigt. Zu ihren jüngsten Auszeichnungen und Ehrungen gehören der Ivan Juritz Prize for Creative Experiment 2020 des Kings College, eine besondere Erwähnung beim Emerging Artist Award des Mimesis Doc Fest und ein Poetry by Video Artist Award beim Cadence Video Poetry Festival. Elisabeth Brun hat einen Doktortitel in Medienwissenschaften von der Universität Oslo, 14 Jahre Erfahrung als Dokumentarfilmerin/Journalistin (NRK) und einen Post-Master in Public Art vom Royal Institute of Art in Stockholm.
Gala Hernández López ist Künstlerin, Forscherin und Filmemacherin. Ihre Arbeit verbindet interdisziplinäre Forschung mit der Produktion von Essayfilmen, Videoinstallationen und Performances zu den neuen Formen der Subjektivierung, die speziell durch den computergestützten digitalen Kapitalismus hervorgebracht werden. Aus einer feministischen und kritischen Perspektive untersucht sie die Diskurse und Vorstellungswelten, die in virtuellen Gemeinschaften zirkulieren, als symptomatische Fiktionen eines Zustands der Welt. Ihre Arbeiten wurden unter anderem auf der Berlinale, der DOK Leipzig, dem Cinéma du Réel, dem IndieLisboa, der Transmediale und dem Salon de Montrouge gezeigt. Ihr Film „The Mechanics of fluids” wurde mit dem César Award für den besten Dokumentarkurzfilm und dem Experimental Work Award 2023 der Scam (Frankreich) ausgezeichnet und erhielt insgesamt ein Dutzend Preise. Sie ist Doktorandin an der Universität Paris 8, wo sie ein Forschungs- und Kreativprojekt zum Thema Bildschirmaufnahmen entwickelt und seit drei Jahren unterrichtet. Dank eines DAAD-Forschungsstipendiums war sie als außerordentliche Professorin (ATER) an der Universität Gustave Eiffel und als Gastforscherin an der Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf (Deutschland) tätig. Von 2023 bis 2024 ist sie Artist in Residence an der französischen Akademie in Spanien – Casa de Velázquez. Sie ist Mitleiterin des Forschungs- und Kreativkollektivs After Social Networks (www.after-social-networks.com). Sie gibt regelmäßig Workshops und Vortragsperformances, unter anderem an der Filmuniversität Konrad Wolf, der Beaux-Arts de Marseille, der Photographers Gallery oder dem Locarno Film Festival.
Daniel Felstead ist Wissenschaftler und Künstler, dessen Arbeit sich auf die Beziehung zwischen Körper, Technologie und Kultur konzentriert. Er ist Kursleiter des Masterstudiengangs „Fashion Media & Communication” am London College of Fashion (UAL). Daniel hat international Vorträge gehalten und Ausstellungen organisiert, darunter bei der Architectural Association, der Berlin Critics Week, der Angewandten, der Fundació Foto Colectania, dem Global Art Forum, MAPS, ICA, PAF, RCA, RISD, Shedhalle, Transmediale und dem V&A Museum.
Zuletzt hat Daniel zusammen mit seiner Mitarbeiterin Jenn Leung eine Reihe von hochgelobten Kurzfilmen produziert, die sich mit den Mythen, Ideologien und Realitäten des Metaversums, der KI, der Biotechnologie und der neuronalen Medien befassen.
Jenn Leung ist Pädagogin und technische Künstlerin mit den Schwerpunkten 3D, Game-Engine-Simulationen und Echtzeit-Streaming-Tools. Sie ist Dozentin für Kreative Technologie und Design am London College of Fashion, UAL, und Forscherin am Antikythera’s Synthetic Intelligence Studio im Jahr 2024. Außerdem ist sie Mitglied von Off World Live, einer Ingenieurs- und Forschungsgruppe für Unreal Engine-Entwickler, und war Programmleiterin bei Architectural Association VS Unit 5 Xalon.
Shuang Li (geb. 1990 in den Wuyi-Bergen, CN) lebt und arbeitet in Berlin, DE, und Genf, CH. 2014 schloss sie ihr Masterstudium in Medienwissenschaften an der New York University ab. Li beschäftigt sich in ihren Arbeiten, die Performance, interaktive Websites, Skulpturen und Bewegtbildinstallationen umfassen, mit verschiedenen Medien, die die zeitgenössische digitale Landschaft prägen. Dabei geht sie von globalisierten Kommunikationssystemen aus und lässt sich von verschiedenen Orten und ungleichmäßigen Informationsflüssen inspirieren.
Zu ihren jüngsten Einzelausstellungen gehören „I’m Not“, Aspen Art Museum, Aspen (2024); „Distance of the Moon“, Prada Rong Zhai, Shanghai (2024); „I’m Not“, Swiss Institute, New York (2024); Galeria Madragoa, Lissabon (2023); „Cherish“, Genf (2021); und Callie’s, Berlin (2020). Darüber hinaus hat sie an zahlreichen institutionellen Gruppenausstellungen teilgenommen, darunter Fondazione Prada, Mailand, kuratiert von Nicholas Cullinan (2023); Zuzeum Art Centre, Riga, kuratiert von Tīna Pētersone (2023); Berlinische Galerie, Berlin (2022); Tai Kwun Contemporary, Hongkong, kuratiert von Tobias Berger, Jill Chun und Daniel Ho (2022); Centre d’Art Contemporain Genève, Genf (2021); X Museum, Peking, kuratiert von Poppy Dongxue Wu (2020); Times Museum, Guangzhou, kuratiert von Biljana Ciric (2019); und Mao Jihong Arts Foundation, Chengdu, in Zusammenarbeit mit dem Centre Pompidou, Paris (2018).
Ihre Arbeiten wurden auf einer Reihe von Biennalen gezeigt, darunter die jüngste Whitney Biennale 2024 im Whitney Museum of American Art, New York (2024); die Biennale de l’Image en Mouvement 2024, Centre d’Art Contemporain Genève, Schweiz (2024); der Kunsthal Charlottenborg Biennale 2023 in Kopenhagen und der 59. Internationalen Kunstausstellung der Biennale di Venezia (2022). Li hat auch mit Miuccia Prada bei einem Sonderprojekt für die Miu Miu Frühjahr/Sommer 2023 Modenschau zusammengearbeitet.
Ani Schulze (*1982 lebt und arbeitet in Köln und Porto) studierte an der Städelschule in Frankfurt und der Glasgow School of Arts. Ihre Arbeiten wurden in Gruppen- und Einzelausstellungen, wie u. a. in der Mountains Galerie in Berlin, in der Galerie Lehmann + Silva in Porto und im Kunstverein Siegen, sowie im Double Feature-Programm der Kunsthalle Schirn in Frankfurt gezeigt. Sie arbeitet mit Video, Malerei und raumgreifenden Installationen. Zu ihren jüngsten Einzelausstellungen gehören „At One Go“ bei Mountains (Berlin 2025); „The Convent of Pleasure- Prolog/ Ticking Time“ in der Moltkerei Werkstatt (Köln 2023/24); „Snake Charming“ in der Galerie Lehmann+Silva (Porto 2023); „Lovers & Hunters“, Kunstverein Siegen (2021); „Hang in there, baby“, A Certain Lack of Coherence, Porto (2021); „Flint House Lizard“, Basis (Frankfurt, 2019); „Flint House Lizard“, I: Project Space (Beijing, 2019) und „7 Follies“, Artothek (Köln, 2019). Ihre Arbeiten waren in einer Reihe von internationalen Gruppenausstellungen und Screenings zu sehen, u.a. in der Hamburger Kunsthalle; Galerie Clages, Köln; Galeria Municipal Porto; Salzburger Kunstverein; Fundacion Botin, Santander; Kölnischer Kunstverein; Pavilhão Branco, Lissabon; Kunstverein Braunschweig; Kunsthalle Schirn, Frankfurt; MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt und Extra City Kunsthalle, Antwerpen. Sie erhielt zahlreiche Stipendien und Preise: u.a. das Stipendium für Medienkünstlerinnen des Landes Nordrhein-Westfalen; Arbeitsstipendien der Kunststiftung NRW; Neustart Kultur, Stiftung Kunstfonds Bonn; Braunschweig Projects Stipendium, HBK Braunschweig; Schloss Ringenberg; Cité Internationale des Arts, Paris; Goethe Institut, I: Project Space, Peking; Sitterwerk/ Kunstgiesserei, Sankt Gallen; RAVI, Lüttich; Fundacion Botin, Santander; AiR Antwerpen, Antwerpen und CEAAC, Strasbourg.
Ani Schulze studierte an der Städelschule in Frankfurt, Kunstakademie Karlsruhe, Kunstakademie Düsseldorf und der Glasgow School of Arts. 2023 erschien ihre Monografie Hang in There, Baby bei Mousse Publishing.
Jana Kerima Stolzer und Lex Rütten sind ein Künstlerduo, das seit 2016 zusammenarbeitet. Sie schaffen Multimedia-Installationen und Performances, die sich mit der technologischen Umwelt als prägender und verändernder Komponente der Welt befassen, die nicht nur Menschen, sondern auch Flora und Fauna beeinflusst. Die Protagonisten der multimedialen Arbeiten sind meist Wesen, die in der Realität keine Stimme haben: hybride Wesen, die Natur und Technologie repräsentieren, Pflanzen und Tiere, die in musikalischen Umgebungen ihre eigene Sicht auf die Welt vermitteln. Das Duo sammelt Geschichten aus aller Welt, basierend auf faktischen Recherchen, um Erzählungen zu entwickeln, die neue Verbindungen und Beziehungen ermöglichen. Sie kombinieren historische und wissenschaftliche Forschung mit Science-Fiction, um das (Un-)Mögliche für die Zukunft zu entwerfen.
Jana Kerima Stolzer studierte an der Kunsthochschule Münster bei Aernout Mik und Lex Rütten an der Kunstakademie Düsseldorf bei Dominique Gonzalez Foerster. Im Jahr 2020 waren beide Stipendiaten der Akademie für Theater und Digitalität. Im Jahr 2023 eröffnete das Duo seine erste institutionelle Einzelausstellung im Hartware MedienKunstVerein in Dortmund. In diesem Jahr hatten sie ihre erste Einzelausstellung in Seoul, Südkorea, im Loop Alt Space.
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